Cine para todos los gustos

Encantados tras el "aforo completo" del pasado martes, volvemos con tres nuevas propuestas para alimentar vuestras pupilas. Empezamos con "El sirviente" de Joseph Losey, un drama psicológico con excelentes críticas. Como segunda opción, lo que han llamado obra maestra del cine kurdo, un filme sobre las minas antipersonales: "Las tortugas también vuelan". Y para finalizar, volvemos al Reino Unido con Blow-Up, la Adaptación de un cuento de Julio Cortázar que consiguió la Palma de Oro en Cannes.

La elección es vuestra...

NO ES PAÍS PARA VIEJOS

Parecen la versión intelectual de Zipi y Zape, uno pelirrojo y el otro moreno. Ambos con gafas y aspecto reservado. Ethan y Joel Coen están considerados directores de culto y no es para menos después de dirigir películas como Sangre fácil, El gran Lebowski o Barton Fink.
Pero si algo les caracteriza es su labor multifacética: escriben, producen, dirigen y editan todos sus filmes. Algo inusual en estos lares. Y más cuando uno se da cuenta que tienen completo control artístico. ¿Cómo lo consiguen? Muy fácil: manteniendo un presupuesto relativamente bajo en sus producciones por lo que los estudios se mantienen al margen.
La ambientación de la mayoría de sus obras es localista, haciendo hincapié en los acentos y costumbres de la zona, como en el caso de Fargo o Arizona baby. Su última película, No Country for Old Men, no es la excepción a la regla, ya que tiene lugar un espacio tan nortamericano como Rio Grande, en el estado de Texas. Cuando un cazador, interpretado por Josh Brolin, se encuentra varios cadáveres y dos millones de dólares en un lugar remoto, Anton Chigurh (Javier Bardem), un asesino sin sentimientos, comienza a perseguirle para conseguir lo que considera suyo.
La película es un thriller que se centra especialmente en sus personajes. Los diálogos son brillantes y están perfectamente ejecutados por un reparto inmejorable. Los críticos americanos ya la han comparado con Fargo, e incluso algunos se atreven a proclamar que es aún mejor.
No country for old men es una adaptación de la novela de Cormac McCarthy, No es país para viejos, publicada en 2005 en EEUU y traducida al castellano por Mondadori en febrero de este año. (Rosa Gamazo. El público.es)

LA PELÍCULA

Ficha técnica
• Año: 2007.
• Duración: 122 mins.
• Nacionalidad: EE.UU.
• Género: Western-drama.

Ficha artística
• Directores: Ethan y Joel Coen.
• Guión: Ethan Coen, Noel Coen, basado en la novela de Cormac McCarthy.
• Reparto: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Woody Harrelson, Josh Brolin, Stephen Root, Kelly Macdonald y Garret Dillahunt.
• Música: Carter Burwell.
• Producción: Miramax Films / Paramount Vantage / Scott Rudin Productions.
• Fotografía: Roger Deakins.

Sinopsis

En el estado fronterizo de Texas, en el año 1980, Llewelyn Moss (Josh Brolin), un cazador de antílopes que se encuentra cerca de Río Grande, descubre un día un hombre acribillado a balazos, un cargamento de heroína y dos millones de dólares en efectivo...

• 8 nominaciones a los Oscar: Mejor película, director, guión adaptado, actor de reparto (Javier Bardem), fotografía, montaje, sonido y efectos sonoros.
• Globos de oro: Mejor guión, mejor actor secundario (Javier Bardem).
• Junta Nacional de críticos de EE.UU.: Mejor Película.
• Círculo de Críticos de Nueva York: Mejor película, mejor dirección, mejor guión, mejor actor secundario (Javier Bardem).

Crítica
BRILLANTE VUELTA A LOS ORÍGENES
En No es país para viejos, donde los Coen vuelven a hacer gala de su brillante puesta en escena, un estilo visual seco, directo, limpio de artificios, pero sin por ello escudriñar dentro del alma de sus personajes. Dotando a todo el conjunto de un estilo visual que brilla con luz propia tanto en las escenas donde el encuadre requiere un uso del formato panorámico (todas aquellas en el desierto, de una brillantez formal magistral), como aquellas escenas intimistas donde la puesta en escena debe fluir y acompañar a los geniales diálogos. Los cuales por cierto, no serían posibles sin el excelente guión que acompaña esa brillante capacidad visual, un libreto que desborda profundidad psicológica, memorables frases de una incisión emocional en las raíces de la violencia, que cortan la respiración durante sus momentos cumbre. Mención aparte para el apartado actoral, en el cual destaca la antológica actuación de Javier Bardem como el asesino Anton Chirguh, que resulta de una perfección incontestable, a la altura de los mejores villanos que se recuerdan en una sala de cine. Acompañando la labor del actor español, unos secundarios no menos acertados, un reparto sólido y consistente, donde Josh Brolin (aquel que muchos recordamos como uno de nuestros adorados Goonies y que tan bien está sabiendo reencaminar su carrera después del acierto de Planet Terror), también da una demostración de introspección considerable, con un carisma fuera de toda duda y que rivaliza en personalidad con Bardem. Más allá de ellos dos, el contrapunto perfecto se encuentra en ese privilegiado actor que es Tommy Lee Jones, que junto al resto de secundarios, demuestra que no hay pequeños papeles con grandes actores. La perfección de todos sus elementos dan como resultado un film practicamente perfecto, al cual sólo la distancia en el tiempo podrá otorgar el tan comunmente utilizado término de obra maestra. Incluso, según dicen aquellos que han tenido la ocasión de leer la novela de McCarthy, realmente fiel a al tono y los hechos narrados en sus lineas. A lo largo de la película, los Coen vuelven a recurrir a aquel imaginario que ha presidido siempre su obra, un tipo de novela negra que hunde sus raíces en escritores sensacionales como Hammet, Raymond Chandler y sobre todo, el gran William Falkner, para hacer una relectura moderna de las convenciones que presidían aquellas obras. Lo cual les permite el suficiente distanciamiento referencial como para incluso introducir sus dosis de habitual, y brillante, humor negro. No es por ello casual que funcione tan bien en este film el equilibrio entre el aspecto dramático y un tono de cinismo desencantado que trasciende (sobretodo en el tramo final) la propia historia para apoderarse del verdadero sentido de esta historia que nos ocupa. Escenas como la conversación del sheriff con su ayudante sobre un determinado suceso y un collar de perro, o ciertas resoluciones visuales y dialogadas a lo largo de todo el metraje, dan muestra de que los Coen aún conservan ese sentido del humor negro y socarrón que destacaba en su obra. Por otra parte, puede sorprender ese final donde la narración lineal (que había transcurrido de forma impecable), deja paso a una reflexión mucho más profunda de lo que parece sobre la verdadera esencia del espíritu americano. Todo el film es una brillante metáfora sobre la violencia inherente que padece como lacra la actual sociedad americana, ya que Anton Chirguh, no es más que la manifestación física de dicha violencia, que se expande como un virus para salpicar de sangre hasta la mente más inocente (especialmente reveladora en ese sentido la escena de los dos chavales en bicicleta, con su pureza “manchada”). En ese devastador y deprimente final que nos proponen los Coen, el personaje de Tommy Lee Jones, ya retirado como sheriff, nos explica un sueño, una esperanza que todavía habita dentro del americano medio, una luz que ilumine el camino por el cual transitar para evitar que esa violencia que yace escondida dentro de la enferma sociedad americana. Una reflexión desencantada a partir de la cual se forma el relato, y con la cual los personajes se expresan, deambulando por unos parajes tan áridos y solitarios como el futuro desesperanzador que les aguarda. En definitiva, una excepcional película, un film que permanecerá en la retina del espectador durante mucho tiempo, poseedor de un desgarrador y agrio mensaje, cuyo gran poder de sugestión le confiere un valor único. El retorno de los Coen por la puerta grande, una obra descomunal. (Por Ivan Villamel, de muchocine.net).

Malas costumbres

Empieza a convertirse en una mala costumbre esto de dejar para el último día las propuestas de la semana, pero una vez más el tiempo se nos ha echado encima. Así pues, con un firme propósito de enmienda, os presentamos las películas candidatas de esta semana:En primer lugar repite "No es país para viejos" (No Country for Old Men), la gran triunfadora de los premios de la National Board of Review, que creemos, merece una nueva oportunidad. Seguimos con “La soledad”, otra triunfadora, esta vez en los premios Goya. Y terminamos con “EL último rey de Escocia”, que tampoco se queda corta, pues su actor protagonista alcanzó el Oscar y el Globo de Oro. Esperamos que tanto premio sea justificado y podamos disfrutar, como es habitual, de un gran filme.
Animamos a todos a formar parte de la historia de este cineclub ejerciendo el derecho al voto y, sobre todo disfrutando del cine cada martes con nosotros. Gracias por estar ahí.

PERSÉPOLIS

Ficha técnica

• Año: 2007.
• Duración: 95 mins.
• Nacionalidad: Francia.
• Género: Animación-drama.

Ficha artística

• Directores: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud.
• Guión: Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud; basado en las novelas gráficas de Marjane Satrapi.
• Doblaje original: Chiara Mastroianni (Marjane adolescente y adulta), Catherine Deneuve (Tadji, madre de Marjane), Danielle Darrieux (abuela), Simon Abkarian (Ebi, padre de Marjani), Gabrielle Lopes (Marjane niña), François Jerosme (tío Anouche).
• Música: Olivier Bernet.
• Producción: Marc-Antoine Robert y Xavier Rigault.

Sinopsis

Marjane es una joven de nueve años que crece en el Irán de la Revolución Islámica. A través de sus ojos vemos cómo las esperanzas de su pueblo quedan rotas cuando los fundamentalistas toman el poder.
Inteligente y sin miedo, Marjane engaña a los “guardianes sociales” y descubre el punk, Abba y Iron Maiden. Pero cuando su tío es ejecutado sin piedad y las bombas caen alrededor de Teherán en la guerra entre Irán e Irak, el miedo diario que rodea su vida es palpable.
A medida que crece, la audacia de Marjane hace que sus padres se preocupen por su seguridad. Y así, a los catorce años, toman la difícil decisión de enviarla a una escuela en Austria. Vulnerable y sola en un país extraño, resiste los malos tragos típicos de un adolescente. Además, Marjane tiene que combatir el hecho de ser equiparada con el fundamentalismo religioso y el extremismo de los que tuvo que huir.

Crítica

YO SOY DE TEHERÁN
Desde que Pixar descubriera que hay cine de animación más allá de la Disney y Tim Burton hiciera rentable la “animación de autor”, las propuestas llegadas en este campo han encontrado financiación y se han llevado a cabo con una más que estimulante respuesta por parte del público. El cómic, en todas sus vertientes, ha sido un caldo de cultivo excelente para este éxito, al haber educado en sus claves narrativas a las últimas generaciones que visitan los cines.
Si el deslumbramiento técnico también ha calado en el cine de animación, donde la hiperrealidad y el uso masivo de la informática se han convertido en las apuestas normales, Persépolis propone una caligrafía manual, una animación funcional en blanco y negro que cautiva como una poesía sencilla. Toda la potencia de esta película, escrita y dirigida por la propia Satrapi y Vicent Paronnaud, está en el dinamismo de su narrativa, en la fuerza de sus personajes (destacando a la abuela de Marji, con la voz de Danielle Darrieux) y en el asombroso ejercicio descriptivo, lleno de ritmo e inteligencia, que la autora realiza acerca de su adolescencia.
Destacar el virtuosismo con que están narrados los episodios de los cambios físicos adolescentes y el primer amor de la protagonista: un ejemplo de originalidad y concreción entre lo que se quiere contar y la técnica narrativa utilizada.
Persépolis es una propuesta singular, única, que deja con ganas de saber más acerca de esa adolescente que vive el mundo que le rodea de modo tan intenso. El trozo de historia de un país que supone una lección de amor hacia el paisaje del que somos originarios y hacia las personas que nos descubren su esencia. (José M. Robado).

LA DIRECTORA MARJANE SATRAPI: MIRANDO ATRÁS SIN IRA

Persépolis es la autobiografía de Marjane Satrapi, la primera iraní historietista. El rotundo éxito de ventas y críticas de esta autora en Francia es atestiguado por 15.000 ejemplares vendidos, dos tercios de ellos en librerías generalistas, y dos premios en las dos últimas ediciones del salón de Angouleme: al mejor primer álbum en 2001 y al mejor guión en 2002.
Hija única en una familia de Teherán de talante progresista, estudia en el Liceo Francés hasta la supresión de los colegios bilingües por las autoridades islámicas surgidas de la revolución de 1979. Ella y su familia, simpatizantes de la revolución antes de que adquiriera un carácter islamista, viven con dolor las restricciones de las libertades individuales, la represión, la imposición del velo femenino y el estallido de la guerra Irán-Iraq, que el nuevo régimen utiliza para consolidarse.
En 1983, cuando tiene 14 años, sus padres deciden enviarla a estudiar al liceo francés de Viena (Austria), para que pueda completar su educación laica y se desarrolle en un ambiente menos opresivo que el de su país natal. Marjane no habla alemán, pero en ese momento es más fácil para un iraní conseguir un pasaporte para Austria que para Francia. Tras completar los estudios primarios regresa a Irán para estudiar Bellas Artes, pero poco después decide marcharse a Francia, y desde entonces reside en París.
Se introduce en el mundo del cómic de la mano del dibujante y guionista David B., quien le sugiere narrar de este modo sus recuerdos de infancia en Irán. Nace así Persépolis, una obra que arranca en los momentos finales del régimen del sha y que da cuenta de las dificultades de vivir bajo un Estado teocrático, inventando maneras de seguir viviendo una vida laica a pesar de la vigilancia de los guardianes de la revolución y de los vecinos oportunamente convertidos a un islamismo más militante que el del propio gobierno.
En 2003 publicó Bordados, un cómic sobre las mujeres iraníes que fue nominado para el premio al mejor álbum en el Festival del Cómic de Angulema de 2004. Bordados no obtuvo el premio, pero sí lo hizo su siguiente obra, Pollo con ciruelas.
Además de Persépolis, Satrapi ha escrito y dibujado diversos libros infantiles. Para Albin Michel ha ilustrado Sagesse et Malices de la Perse y para la editorial Nathan ha realizado Hachda le dragon, Les monstres n’aiment pas la lune e, ilustrado por Jean Piere Duffour, Ulysse au pays des fous.
Tras Persépolis su próximo proyecto en historieta tratará sobre la mitología Persa “cuya influencia en la cultura europea ha sido oscurecida por la tradición greco-latina”.

Perdón por el retraso 2.0

Pidiendo disculpas de nuevo por el retraso en la publicación de la encuesta, que nos deja (una vez más) sólo un día para votar, os comentamos las propuestas de la semana:

En primer lugar tenemos "No es país para viejos" (No Country for Old Men), la gran triunfadora de los premios de la National Board of Review. Seguimos con “Persepolis”, nominada al Oscar a la mejor película de animación, que narra la conmovedora historia autobiográfica de una niña iraní en pleno fundamentalismo islámico, desde la revolución islámica hasta nuestros días. Y para terminar, una cinta poco conocida, “¡Soy Linda!” (Bin ich schön), filme donde Doris Dörrie nos ofrece una tipología de personajes femeninos y masculinos que tratan de encontrarle la vuelta a la vida. Ahí es nada!

Nuevamente os emplazamos a votar, a contrarreloj, la peli que mas os guste.

Anatomía de un asesinato

Ficha técnica

• Título original: Anatomy of a murder.
• Año: 1959.
• Duración: 160 mins.
• Nacionalidad: EE.UU.
• Género: Drama judicial.

Ficha artística

• Director: Otto Preminger.
• Guión: Wendell Mayes, basado en la novela de Robert Traver.
• Reparto: James Stewart, Lee Remick, Ben Gazzara, Arthur O’Connell, George C. Scott, Eve Arden, Kathryn Grant, Joseph N. Welch.
• Música: Duke Ellington.
• Fotografía: Sam Leavitt (B&W).
• Producción: Columbia Pictures.

Sinopsis

Un policía asesina fríamente al violador de su mujer. Tras ser detenido, es llevado a juicio, donde se reflejarán todo tipo de emociones humanas, desde los celos a la rabia.

Crítica

LA MEJOR PELÍCULA DE JUICIOS DE LA HISTORIA DEL CINE

Sin lugar a dudas la mejor película de juicios de la historia del cine, junto con Doce Hombres sin piedad y Testigo de cargo.
A pesar de estar rodada en 1959, el argumento sigue estando muy fresco y vivo a día de hoy.
Otto Preminger realiza un film arriesgado tratando temas muy escabrosos en aquella época como, las violaciones, el maltrato o el asesinato.
Si por algo destaca el film es por su impecable realización, unos planos perfectos una dirección exquisita de un gran director poco recordado en la actualidad.
Las actuaciones son de primer nivel con el grandísimo James Stewart, en el papel del abogado defensor, y George C. Scott como el fiscal, un auténtico duelo interpretativo entre ambos de los que ya no se ven. El espectador cree estar sentado en la sala y asiste a la lucha dialéctica entre Stewart y Scott una lucha por demostrar quien es mejor letrado y los cuales harán cualquier cosa por ganar.
Con unos diálogos ágiles, audaces, rápidos e inteligentes que dotan a la película de un ritmo frenético.
Pero, también pasa por momentos divertidos, como en una escena cuando el juez y los abogados tratan de encontrar una palabra más discreta que “bragas”, cuando hablan de la ropa interior de la mujer violada. Realmente Brillante.
Un film brillante de obligado visionado puro deleite para el espectador, joder esto es cine y lo demás son tonterías, que puta maravilla.

Son de la Frontera

Grupo de flamenco formado por jóvenes herederos y seguidores de la escuela de Diego del Gastor que, a través de la fusión y el diálogo entre el Tres cubano y la Guitarra flamenca, realiza una reinterpretación creativa del Toque, Cante y Baile de Morón de la Frontera, abriendo sus cauces y discursos artísticos al tiempo que vivimos.

La peculiar sensibilidad y trayectoria de cada uno de los músicos, su conocimiento de la tradición y su carácter renovador permiten que su interpretación integre los elementos básicos del Toque de Morón en nuevas composiciones enriquecidas con influencias de las músicas más diversas.

En estos tres años de camino SON DE LA FRONTERA ha llevado su música por escenarios de Estados Unidos, Sudamérica, Europa y toda la geografía española.

En 2004 presentan su proyecto en la Feria del Disco de La Habana “Cubadisco” una prueba de fuego para presentar la inclusión del Tres Cubano en el flamenco ante un público conocedor y experto en el instrumento.

En el verano de 2004 se publica su primer disco “Son de la Frontera” (Nuevos Medios) que inmediatamente obtiene el reconocimiento unánime de la crítica especializada y el respeto del público aficionado posicionándolos como una de las bandas mas interesantes e innovadoras del Flamenco actual.

La gira de su primer disco les lleva a tocar en los más importantes Festivales de Flamenco y World Music. En 2005 Flamenco in the Sun (Miami) o Womad (Madrid) o Q-uba Música (Holanda) son los primeros en programarlos. En el 2006 intervienen en Flamenco Festival New York, Flamenco Festival Londres, Festival Suma Flamenca (Madrid), Bienal de Flamenco de Holanda, Womex (Sevilla). Actúan este año también en Chicago, París (Semana de Andalucía), Guadalajara (México) y en el Festival Les Suds à Arles (Francia) en compañía de Martirio así como en numerosas ciudades españolas.

También en 2006 forman parte del cartel de “Acordes con Leonard Cohen” homenaje al cantautor que se presenta en varias ciudades de España.

En Septiembre de 2006 presentan su nuevo espectáculo “Cal” con el repertorio de su nuevo disco en la Bienal de Sevilla de Flamenco.

“CAL” (Nuevos Medios) es el título del nuevo trabajo discográfico del grupo. En él siguen ahondando en las raíces de la música de Morón de la Frontera (Sevilla) y ampliando su repertorio con composiciones propias.