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La noche del cine andaluz

Esta semana inauguramos un formato que esperamos aplicar de forma esporádica en las noches del cineclub. Se trata de las noches temáticas, en las que el cineclub ceñira sus contenidos a una temática prefijada.

Para el martes 6 proponemos "La noche del cine andaluz", en la que todos los contenidos seran de creacion andaluza. Como primera proposicion incluimos "Cuando todo esté en orden", de César Martínez Herrada, conmovedora historia de un padre y un hijo que se ven "condenados" a recoinciliarse cuando sus vidas se reencuentran en el pueblo tras varios años fruto de la casulidad, por la jubilación del primero y la reinserción despues de la desintoxicación del segundo. Añadimos tambien la reciente creación de Antonio Cuadri "El corazón de la tierra", un relato basado en hechos reales alrededor de la primera toma de conciencia ecólogica de la historia, cuando el 4 de febrero de 1988 en las minas de Rio Tinto, sometidas durante años a la explotacion anglosajona, miles de personas de toda la provincia de Huelva exigen mejoras laborales y la reduccion de emisiones toxicas. Y para terminar, una obra biográfica dirigida por Antonio Gonzalo, "Una pasión singular", la vida de Blas Infante, padre del regionalismo andaluz (más que un nacionalismo o regionalismo, un humanismo, como el mismo lo define en la película). El reconocido como "Padre de la Patria Andaluza" defiendió hasta su muerte con el mismo repeto y pacifismo que fervor la singularidad social, histórica y cultural de nuestra region.

El resto de los contenidos de la noche, aún por confirmar, serán tambien de creacion andaluza. Que tengaís una genial semana y como diria Joaquin Prats... ¡aaaaaaaa votar!

El fluir de las lágrimas

Ficha técnica

• Título original: Wong gok ka moon (El fluir de las lágrimas).
• Duración: 105 mins.
• Nacionalidad: China.
• Género: Acción-drama.
• Año: 1989.

Ficha artística

• Director: Wong Kar-Wai.
• Guión: Wong Kar-Wai.
• Reparto: Andy Lau, Maggie Cheung, Jacky Cheung, William Chang, Kau Lam, Alex Man, Ronald Wong.
• Música: Ting Yat Chung.
• Fotografía: Wai Keung Lau.

Sinopsis

Dos hermanos están introducidos en el mundo de las mafias chinas. Uno, el hermano menor, es incapaz de evitar los líos por su impetuoso temperamento. Por su parte, el hermano mayor, al enamorarse, decide abandonar el oscuro entorno en el que se mueve, pero antes tendrá que volver a ayudar a su hermano pequeño...

Crítica

Gran ópera prima de Wong Kar-Wai. Con claras influencias de Martin Scorsese y más concretamente de su obra Malas calles (los personajes de Andy Lau y Jacky Cheung tienen mucha similitud con los de Harvey Keitel y Robert De Niro), el director chino traza una inolvidable película sobre el honor, el sacrificio y la amistad.

Los movimientos de cámara presagiaban el talento de Kar-Wai. Impactántes escenas violentas y gran utilización de la música (como siempre).

El sello lo pone en la particular historia de amor entre el protagonista y su prima.

Aunque es su primera película y aún no había depurado su estilo, escenas como la del reencuentro entre Andy Lau y Maggie Cheung o su primer beso me ponen la carne de gallina (por cierto que tanto Lau como Cheung están espléndidos en sus papeles).
La recomiendo con los ojos cerrados. El final es sorprendente. (Davis).

El director: Wong Kar-Wai, el explorador del tiempo interior

Nació en Shanghai en 1958. Su padre era gerente de un hotel. En 1964 Wong Kar-Wai se mudó con sus padres de la China Comunista hacia Hong-Kong.

A los 19 años debutó en la televisión local, y rápidamente se convirtó en asistente de productor, después en guionista de películas y series televisadas.

1997: Premio a la mejor puesta en escena por Cheun gwong tsa sit (Happy Together ) con Tony Leung Chiu Wai, Leslie Cheunau en el Festival de Cannes y mejor fotografía en los Hong Kong Film Awards.

1988: Wong Kar-Wai dirigió su primera película As Tears Go By. El film se presentó en la semana de la Crítica en Cannes.

1994: Premio FIPRESCI por Chong qing sen lin (Chungking Express) con Takeshi Kaneshiro, Tony Leung en el Stockholm Film Festival.

1995: Mejor director por Dung che sai duk (Les cendres du temps) con Tony Leung Chiu Wai, Leslie Cheung en los HongKong Film Critics Society Awards.

1997: Happy Together en selección oficial, recibió el premio a la mejor puesta en escena.

2000: In the Mood for Love, es seleccionada para competir en Cannes, cosechando un gran éxito entre el público y la crítica internacional.

2004: 2046 en selección oficial en el Festival de Cannes, calificada por la crítica como “sublime exploración del tiempo interior”.

2005: Wong Kar-Wai recibió un trofeo como reconocimiento a su trabajo por la visibilidad del cine asiático en el festival de Bangkok, el viernes 21 de enero.

2006: Wong Kar Wai participa como jurado del 59º Festival de Cannes 2006, convirtiéndose en el primer presidente chino del festival. El anterior presidente del Festival fue Emir Kusturica.

Tocata y fuga

Tras abrir boca con la "Banda de la María" decidimos proyectar este corto escrito por uno de sus componentes, Alex O'Dogherty.

Alex se inspiro para escribir el guión en sus propias vivencias en carretera mientras iba de bolo en bolo con La Banda, llevándolas a la ficción en forma de road movie en la que, por rocambolescas circunstancias, dos policías (Antonio Dechent y Pablo Carbonell, atrévanse a delinquir) ponen en busca y captura a los músicos.

Genial cortometraje que logra, de forma muy divertida, introducirnos en el sentir de los artistas en gira, con su vida sobre ruedas.

La banda de la María

La banda de la María es un grupo de música callejera que en siete años ha creado un estilo propio de gran originalidad, inventando y desarrollando técnicas de animación musical y teatral. Este estilo nace inspirado tanto en las bandas de calle americanas o centroeuropeas como en las tradiciones locales (chirigotas, procesiones...), pero se define fuertemente influenciado por las corrientes estéticas de la música urbana de la última década (funk, hip-hop...).

La gran versatilidad de la Banda, basada en el variopinto origen de sus miembros (músicos, actores, poetas, humoristas...), permite la presentación de la BDLM en tres formatos diferenciados: animación, concierto y cabaret (calle, escenario y sala de teatro). Precisamente es en la búsqueda de nuevos horizontes para la música callejera donde la Banda de la María encuentra su razón de ser y su esencia artística.

La Banda comienza su andadura allá por 1997, fundada por un payaso, un actor y un músico de teatro, actuando por primera vez en "El central", conocido bar de la Alameda en Sevilla, y poco a poco va incorporando y/o renovando miembros. Al año siguiente se incorpora el actor Alex O'Dogherty (entre otros).

En 1999 empiezan a lloverle contratos, e incluso actuan para la "jet-set" marbellí. En una ocasion actúan delante de Prince, que les dedica un "Me ha gustaro musho", frase que dio nombre a una posterior composición de la banda.

Desde entonces han estrenado con gran éxito dos cabarets ("Musicallejera" y "El desahucio de las almas") y han grabado un disco, titulado "En la calle", del que vendieron 1000 copias mano a mano en conciertos y bares y a través de internet.

Propuestas de la semana

Tras la simpatica vision del fenómeno del fútbol de Gerardo Olivares, volvemos a acometer una nueva semana en el cineclub con tres títulos de lo más variopintos (una vez más).

Repite "El fluir de las lágrimas" de Kar-Wai, como digna segunda clasificada. Para los despistados, recordaremos que cuenta el drama de dos jóvenes hermanos metidos de lleno en la mafia china. La primera novedad es "El camino de los ingleses", segundo trabajo como director de Antonio Banderas, que nos muestra a unos jóvenes encerrados en sus propias vidas, unos conformistas y otros buscando con desigual suerte la cuerda a la que agarrarse para abandonar la desidia y abrirse a nuevos horizontes. Por ultimo concluímos con "Saló o los 120 días de Sodoma", última pelicula de Pier Paolo Pasolini, que da un giro a la historia de "El marqués de Sade" llevandola a la Italia fascista de Mussolini.

Terminamos avisando de que esta semana la votacion se cierra un día antes (la medianoche del viernes al sábado) y, como los políticos, pidiendo el voto. Al final somos casi como los americanos: nosotros votamos películas y ellos a actores.

La gran final

Ficha técnica

• Duración: 85 mins.
• Nacionalidad: España y Alemania.
• Género: Comedia.
• Año: 2006.

Ficha artística

• Director: Gerardo Olivares.
• Guión: Chema Rodríguez; basado en un argumento de Gerardo Olivares.
• Reparto: Mahamadou Alzouma (André), Esentai Samer Khan (Kosan), Khoshibai Edil Khan (General), Kenshleg Alen Khan (Kumar Khan), Boshai Dalai Khan (Turkan), Ahmed Alansar (Aboubacar), Attibou Aboubacar (Hassan), Tano Alansar (Hamidou), Wirapitang Kaapor, Kinchiran Kaapor.
• Música: Martín Meissonnier.
• Fotografía: Gerardo Olivares y Guy Gonçalves.
• Producción: José María Morales.
• Montaje: Rori Sainz de Rozas y Raquel Torres.

Sinopsis

¿Cómo es posible que en lo más recóndito de las estepas mongolas los niños sepan quién es Ronaldo?

La gran final es una comedia que cuenta, a través de tres historias paralelas, las peripecias de unos hombres que tienen dos cosas en común: vivir en regiones remotas del planeta y estar empeñados en ver la final de la copa del mundo de fútbol Japón-Corea 2002 entre Alemania y Brasil.

Una familia de nómadas mongoles, una caravana de camelleros tuareg en el desierto del Sahara un grupo de indios amazónicos son los protagonistas.

Todos viven a muchos kilómetros de distancia del punto más cercano en el que es posible ver la televisión o son múltiples las dificultades que tienen para hacerlo.

Sin embargo, estos hombres disponendel ingenio y la voluntad suficiente como paralograr su objetivo.

Crítica

UN GOLAZO AL ABURRIMIENTO

La gran final es una de las películas más divertidas, estrafalarias, rítmicas y frescas que he visto en los últimos meses en un cine. Y que mira tú, la dirige un español, Gerardo Olivares, un tipo especializado en documentales que firma aquí su primera y brillante ficción.

Y, vaya, vaya, la produce otro español, José María Morales, uno de los señores que más ojo tiene, que más arriesga, que más viaja y que más se devana los sesos en busca de historias distintas que coproducir con otros países.

Y que -caramba- la ha escrito Chema Rodríguez, otro español. O sea: que, aun hecho a miles de kilómetros, es cine español.

Y otro o sea: aprovecho para decirles a algunos que tienen cierta cortedad neuronal: el cine español no es malo por ser español. Cuando es malo, lo es por eso, por malo, no por español. Le pasa lo mismo al cine estadounidense, al francés, al de Sri Lanka y al de Trinidad y Tobago.

En cuanto a los actores de La gran final ...no hay, claro. Sólo son eso: indios, tuaregs y cetreros mongoles.

Pero les une una cosa: son locos del fútbol. Gritan ‘¡¡¡gooool!!!’ como nosotros.

Veanlos. Le meterán un golazo al aburrimiento.

El director: Gerardo Olivares, la aventura documentada

Sus aventuras se han transformado en documentales que compra desde National Geographic a Discovery Channel. El chaval Olivares tenía 20 años cuando salió del internado. Era pésimo estudiante y había repetido cuatro veces. Lo único que aprobaba era geografía y gimnasia.

La afición por la primera le venía de un atlas de National Geographic que le había regalado su padre y que repasaba una y otra vez. Podía suspender matemáticas o lengua, pero ni el profesor sabía tantas capitales como él.

“Un día -relata Olivares- estaba viendo la tele y vi un reportaje de Tico Medina sobre el sol de medianoche en Laponia y me dije ‘allí voy yo’. “Estuve casi cuatro meses y cuando volví ya nada era igual, claro. Algo había cambiado en mí”, cuenta.

Verdaderamente, aquel chaval no tenía límite. Al volver se fue a Madrid a estudiar la carrera de periodismo, trabajó en la revista Los Aventureros, que le dio la oportunidad de conocer gente. Y entremedias bajó algún río en piragua, atravesó el desierto del Sahara con un Seat Panda... Un buen día vio que había tocado fondo en pequeñas expediciones y consideró que ya estaba preparado para hacer algo gordo, y empezar a vivir del tema: “Gracias a que me conozco el mundo como la palma de la mano por los atlas, yo sabía que en América había un montón de ciudades, pueblos y accidentes geográficos con el nombre de Córdoba. Creé La Ruta de las Córdobas, un viaje desde Alaska a la Tierra de Fuego, recorriendo todas las Córdobas”. En esta serie de ocho capítulos tocaba los dominios del búfalo, el lejano Oeste, la tierra de los Mayas y los territorios del rey cóndor.

Esa expedición salió con muchísimos problemas, y tuvo que regalar la serie a TVE porque “ni me la compraban”. Pero se emitió y fue el documental más visto aquel año. A partir de entonces, Gerardo Olivares creó con otros socios Transglobe Films, en este momento la primera empresa en producción de documentales de España. Sus producciones las compran Discovery Channel, la RAI, National Geographic...

El más joven del equipo Explora y un especialista en rodajes en caravana. Entre 1994 y 1995 circunvaló en Land Rover el continente africano, desde Marruecos hasta Sudáfrica y luego hasta Egipto. En esos 15 meses de viaje logró dirigir la Ruta de los Exploradores, una serie de 13 capítulos de duración, de media hora cada uno, emitido por Televisión Española. Pasó por Marruecos, Mauritania, Senegal, Mali, Burkina Fasso, Togo, Benin, Camerún, Gabón, Zaire, Zambia, Botswana, Tanzania, Kenia, Etiopía, Eritrea, Egipto, etc.

Entre 1997 y 1998 atravesó el continente asiático desde Madrid hasta Singapur, en un camión. Durante ese periodo de tiempo, 16 meses, rodó la Ruta de Samarkanda, emitida en Televisión Española. Asimismo, ha participado como director, guionista o realizador en otros 14 documentales. Destaca el documental “El Hambre en el Mundo Explicada a mi Hijo”.

Domicilio habitual

El cortometraje del pasado martes nos contó la rocambolesca historia de un jefe no muy del agrado de sus empleados, esposa, amigos... y un largo etcétera.

No se puede decir que tuviera siete vidas pero, de haberlas tenido, tampoco le hubieran sido de mucha utilidad.

Le trio Joubran

Samir Joubran nació en Nazareth (Israel) y es hijo de un reputado luthier de oudes y de una cantante. Empezó a tocar el oud a la corta edad de 5 años, y a los 9 empezó sus estudios en el Instituto de Musica de Nazareth. Tambien se graduó en el Conservatorio Mohamed Abdul Wahab en el Cairo.

Según el mismo repite, su música está inspirada en el legado palestino y en el sueño de un Estado Palestino pacífico. Es uno de los oudistas árabes con más talento, pero irónicamente se le prohibe tocar en la mayoría del mundo árabe por su condicion de ciudadano Israelí.

En 2003 empezó a tocar con su hermano Wissam Joubran, y ambos publicaron el album "Tamaas" en ese mismo año, considerado como obra maestra surgida del talento innato, profundo conocimiento del oud y capacidad improvisatoria de ambos hermanos. Wissam, además, hereda la profesión de su padre, y es el primer luthier de origen árabe en ingresar en el instituto Andoni Stradivari en Italia.

En 2004 Adnan Joubran se unió a sus dos hermanos para formar "Le trio Joubran" y publicar el album "Radana" en marzo de 2005. Adnan debutó con sus hermanos en París a la corta edad de 15 años (actualmente tiene 18) y es considerado como un prodigio por éstos.

Juntos han conquistado los oídos de Europa occidental, ademas de haber recorrido medio mundo con su música. Tambien han protagonizado el documental "Improvisacion" (Raed Andoni, 2005), que cuenta como los dos hermanos mayores preparan al pequeño Adnan para su debut junto a ellos en París, sumergiéndonos de lleno, hasta conmovernos, en la vida cotidiana de esta singular y portentosa familia, los Joubran.

Primicia informativa

Dados los beneficios informativos que mi profesión me reporta me veo obligada a comunicaros que precisamente una cinta de Gerardo Olivares, dire de la peli que proyectaremos esta noche, participará en la Sección Oficial de la próxima edición de la SEMINCI de Valladolid, según fuentes de Wanda Vision, productora del realizador cordobés.
Ahí va algo de info de la peli en cuestión para los interesados:

14 KM
Catorce kilómetros es la distancia que separa África de Europa, pero también es la barrera que separa los sueños de millones de africanos que ven en Occidente su única salida para escapar del hambre y de la miseria. De la mano de tres jóvenes africanos -Violeta, Buba y Mukela- recorreremos un largo y peligroso viaje a través del Sahara para conocer lo que nunca enseñan los medios de comunicación. Las repetidas imágenes en televisión de cayucos llegando a las costas de Canarias han acabado por insensibilizarnos ante un drama que solo muestra la punta del iceberg. Esas imágenes de rostros exhaustos dan buena fe de la dureza del viaje, un viaje que tiene su origen a miles de kilómetros de distancia y que puede durar años. Y esto es lo que pretende “14 kilómetros”.

Mil besos***
Yalia

Aviso importante: El cineclub pasa a los martes

A partir de la presente semana, por motivos de disponibilidad del personal del cineclub, nos vemos obligados a adelantarlo de los miércoles a los martes. Esperamos mantener la cita los martes aun cuando empecemos a proyectar en Juan XXIII, pero todo dependera de la disponibilidad de la sala que nos cedan.

De cualquier modo, esta semana el cineclub sera el MARTES DIA 23, con el siguiente horario:

20:30 Propuesta musical
21:30 Cortometraje
22:00 Largometraje

Os rogamos que nos disculpeis por las molestias que os haya podido ocasionar el mencionado cambio y la falta de antelación en el anuncio del mismo.

Con creces...

¡¡Los hemos conseguido!! Hemos batido el récord de votaciones y con creces. 17 de vosotros habeis votado y aún queda un día!!
Contaros que Gerardo Olivares, dire de la peli que va a la cabeza en las susodichas votaciones, es 'cordobé'. Viva el arte de la tierra, joé!!
Espero veros a los 17 el próximo miércoles. Ni uno menos.
Besitos
Yalia**

A por los trece

A ver si nos portamos esta semana tan bien como la anterior, ¿eh? El objetivo, conseguir nuevo record de votos, o sea, trece.

Para el asalto al fatídico numero hemos escogido tres propuestas que están a la altura. Empezamos con nuevo título de Wong Kar-Wai, que desde Hong Kong nos trae "El fluir de las lágrimas", historia sobre el día a día de las mafias chinas desde el enfoque de dos jovenes hermanos. Hacemos escala en España para reunir fuerzas con "La gran final" de Gerardo Olivares, comedia que narra tres historias paralelas sobre personas muy dispares cuya meta es asistir a la final de la Copa del Mundo de 2002. Y tras el descanso, salimos de nuevo de viaje, esta vez hacia Irán con "La pizarra" de Samira Majmalbaf, que cuenta las peripecias de tres profesores nómadas en busca de alumnos que enseñar en las montañas kurdas (Gran premio del jurado en Cannes 2000).

Animo y... ¡a por el record!

El violín

Ficha técnica

• Duración: 98 mins.
• Nacionalidad: México.
• Género: Drama.
• Año: 2005.

Ficha artística

• Director: Francisco Vargas Quevedo.
• Guión: Francisco Vargas Quevedo.
• Reparto: Anne Alvaro, Jean-Pierre Bacri, Alain Chaba, Ángel Tavira (don Plutarco), Dagoberto Gama (el capitán), Fermín Martínez (el teniente), Gerardo Taracena (Genaro), Mario Garibaldi (Lucio).
• Música: Cuauhtémoc Tavira y Armando Rosas.
• Fotografía: Martín Boege Paré.
• Producción: Francisco Vargas Quevedo y Ricardo Garfias.

Sinopsis

Don Plutarco, su hijo Genaro y su nieto Lucio llevan una doble vida: por una parte, son humildes músicos rurales y, por otra, apoyan activamente al movimiento guerrillero campesino contra el gobierno opresor.

Cuando el ejército invade el pueblo, los rebeldes deben huir y abandonar las municiones. Haciendo valer su apariencia de inofensivo violinista, Don Plutarco tiene un plan: recuperar las municiones escondidas en su maizal.

Su música embelesa al capitán, pero falta recoger las municiones...

Crítica

Un ejercicio de humanidad. Todos los cineastas que en los últimos tiempos están llevando el nombre de México a los lugares más destacados de la actualidad cinematográfica mundial coinciden en señalar que el suyo es un éxito “a pesar” de la pésima situación que la industria tiene en su país, con escasas ayudas para los creadores que, de esta manera, tienen que producir sus películas casi como ejercicios de resistencia o teniendo que salir al exterior para lograr apoyo (con escalas, por ejemplo, en Estados Unidos, España o Francia).

El violín pertenecería a los de la primera clase, y quizá ese hecho de haber sido creada totalmente en México es una de las razones por las que estilística y temáticamente está en las antípodas de obras como Hijos de los hombres o El laberinto del fauno, de sus contemporáneos Alfonso Cuarón y Guillermo del Toro, respectivamente. No hace falta leer las declaraciones de su director, Francisco Vargas Quevedo, para reconocer en sus imágenes la influencia del Luis Buñuel de Los olvidados, o la herencia realista de un tipo de cine que, además, enlaza directamente con la tradición literaria y artística del país.

Porque, cuando uno se asoma a El violín, tiene la sensación de estar haciéndolo a un pedazo de verdad, con la historia de tres personajes (el abuelo, el hijo, el nieto) que se buscan la vida tocando música por los pueblos cercanos a una selva indeterminada (podría ser Chiapas, pero también, tristemente, otros muchos puntos diseminados por América) mientras colaboran
con una guerrilla que busca plantar cara, de manera desesperada, a la violencia de un ejército que mata, asola y viola con impunidad a las comunidades indígenas. Pero este tema, que en manos de otros directores más panfletarios apenas descendería el peldaño de la denuncia social y política sin tomar una verdadera encarnación humana, en el portentoso guión de Vargas Quevedo, en su poderoso blanco y negro y, sobre todo, en las interpretaciones cobra su verdadera identidad, su capacidad de trascender la anécdota para transformarse en una narración universal.

Porque, lejos de los excesos reflexivos, Vargas Quevedo ha sabido montar una historia que se sigue con aparente ligereza, con una ajustada construcción que se apoya en un suspense que va in crescendo hasta literalmente quitar, en su último tramo, con una economía de medios ejemplar, el aliento de un ávido espectador que ve cómo los lazos de la narración se van cerrando inexorablemente sobre el viejo y manco violinista. Y todo porque, previamente, se nos ha preparado con un puñado de escenas de antología, como la conversación entre don Eustaquio y el capitán del ejército –un estupendo Dagoberto Gama que sabe revestir de una contundente humanidad a la figura oscura del relato, auténtico oponente a la lúcida vitalidad del digno e impresionante protagonista–.

El violín no es una película dulce; su impactante arranque, coincidiendo con los títulos de crédito, avisa que nos encontramos ante una obra dura, pero es cierto que el resto de su metraje prácticamente huye de los golpes de efecto y las escenas desagradables para dejarse llevar por un ambiente asfixiante que se apoya más en la amenaza latente y constante que en su verdadera concreción. En este sentido, la cinta sería más bien el testimonio de la calma que precede a la tormenta y así, cuando ésta por fin se abate, es como si aquélla fuese la única salida posible a una situación en la que la bota de la injusticia impide respirar a sus protagonistas.

Denuncia de una lógica que acaba arrastrando a todo aquél que se acerque a su espiral destructiva, El violín toma aún más sentido por su profunda humanidad y su arriesgada y militante apuesta. Y, lo que es más importante, lo logra sin contener discursos o arengas, sin caer en el subrayado reiterativo, sin hacer trampas al espectador… Una primera película perfecta, soberbia; un nombre a seguir con atención.

Supremacía Mexicana

El violín fue elegida por el público como la mejor película del IX Festival Iberoamericano de Cine de Santa Cruz.

También obtuvo el Premio Casa de América y el Premio Horizontes y una Mención Especial en San Sebastián; el Ariel de Plata a Mejor Ópera Prima y a Mejor Guión y una Nominacón a la Mejor Edición en México; el Premio India Catalina de Oro a Mejor Guión en Colombia y el Premio Grand Prix en el Festival de Cine de Flandes, Bélgica, ganando en total más de treinta premios, mientras que su exhibición en el país de origen se había dificultado por problemas de distribución.

El director: Francisco Vargas

Francisco Vargas Quevedo nació en Ixtapaluca (México) en 1969. Realizó estudios de teatro y de ciencias de la comunicación e ingresó en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC) en 1995, especializándose en las áreas de realización y cinefotografía.

Antes de adentrarse en el cine, se dedicó a la conducción y producción de programas radiofónicos.

Conejo, su primer cortometraje, le creó una sólida reputación. En el 2004 dirigió el documental Tierra caliente... se mueren los que la mueven, nominado al premio Ariel al Mejor Cortometraje
Documental.

Un año después, basándose en el material de éste cortometraje realiza El violín. En el 2006 nuevamente retoma esta historia, pero la amplía y la convierte en su primer largometraje. Vargas ha sido becario del FONCA y del Centro Nacional de las Artes.

Pie negro

Todo un ejemplo del buen hacer local el que presenciamos la noche del miércoles con "Pie negro", cortometraje realizado con exquisito gusto cinematográfico y geniales diálogos.

Consigue su objetivo y nos deja, contandonos una sencilla historia, el marchamo caracteristico del cine negro, al que rinde homenaje. El montaje ralla al mas alto nivel, con unos titulos de credito que nos dejan nada mas comenzar sumergidos de lleno en la atmosfera que el autor, Guillermo Rojas, crea para la ocasión.

Locomondo

Locomondo es una banda formada por cinco músicos, con sede en Atenas. Fue la primera banda griega en fusionar sonidos del Caribe (regaee, ska, etc.) con letras y elementos musicales del país.

Su primer album, titulado "Enas Trelos Kosmos" (en griego, "mundo loco") fue publicado en marzo de 2004. Tras ello, Locomondo ofreció una serie de espectaculos en vivo en diversos lugares a lo largo y ancho de su pais. Ademas, fueron teloneros de "Skatalities and Chumbawamba", participaron en el festival "Rastavibe" y dieron varios conciertos durante la celebracion de los Juegos Olímpicos del 2004 en Atenas.

Canciones como "Trendy Litsa" y "100 afro" tuvieron un amplio respaldo de las emisoras radiofonicas griegas, y "Stin Athina" permanecio en la lista de "Radio France Internationale" durante dos meses.

Un año despues Vin Gordon, trombonista de "Skatalities" y leyenda viva en el mundo del regaee tras haber formado parte de "Burning Spear" y "Bob Marley and the Wailers", invitó a la banda a Jamaica a grabar su nuevo album. Ademas, otros musicos jamaicanos, como "Deadly Headly Bennet", veterano de "Studio One" y fundador de "Skatalities", tambien colaboraron en la grabacion. El resultado de esta experiencia esta recogido en su album "12 Meres stin Jamaica" ("12 dias en Jamaica"), publicado en julio del 2005. Esta cantado en griego e ingles y muy influenciado por la musica jamaicana, sin renunciar a las raices griegas de la banda. El single "Frangosyriani", version de una cancion tradicional griega, fue un gran exito en las listas griegas durante ese verano.

Weno, weno, weno. Esta semana la votación está calentita...

Nos alegramos de que por fin mucha gente se haya animado a visitar y a participar en el blog. Éste nació con una filosofía comunitaria y sin vosotros, no tiene mucho sentido.

Parece que El Violín es la peli que más os motiva pero hasta el sábado por la noche -cuando se cierran las votaciones-, no se sabe lo que puede pasar...

Esta vez a tiempo

Empezamos con buen pie esta semana, poniendo la encuesta a tiempo, para evitar el tecnodespropósito de la semana anterior (encuesta tarde, problemas con internet y una impresora y dos ordenadores que no funcionaban cuando tenían que hacerlo).

Tenemos de nuevo con nosotros "El pez gordo" de John Swanbeck, que parece que os quedasteis con ganas de ver la semana pasada, ya que empató a dos votos con la ganadora. Además estrenamos dos paises en el cineclub. Por un lado Mexico lindo, con "El violín" de Francisco Vargas Quevedo, que nos introduce de lleno en el México rural del movimiento guerrillero campesino en 1970; por el otro Hong Kong, desde donde Wong Kar-Wai nos trae "Felices juntos" que nos muestra los amores y desamores de una pareja de emigrantes de Hong Kong en Argentina.

En la variedad esta el gusto dicen, y esta semana no falta. Así que a pasar por la página y a votar todos.

Para todos los gustos

Ficha técnica

• Título original: Le goût des autres.
• Duración: 108 mins.
• Nacionalidad: Francia.
• Género: Comedia dramática.
• Año: 2004.

Ficha artística

• Director: Agnès Jaoui.
• Guión: Jean-Pierre Bacri, Agnès Jaoui.
• Reparto: Anne Alvaro, Jean-Pierre Bacri, Alain Chabat, Agnès Jaoui, Gérard Lanvin, Christiane Millet, Wladimir Yordanof,f Anne Le Ny, Brigitte Catillon, Xavier De Guillebon, Raphaël Dufour, Bob Zaremba, Sam Karmann, Marie-Agnès Brigot y Robert Bacri.
• Música: Jean-Charles Jarrel.
• Fotografía: Laurent Dailland.
• Producción: Le Studio Canal + / FR 2.

Sinopsis

Castella es un empresario de provincias, un nuevo rico algo rudimentario, que sólo parece tener tiempo para el trabajo y el dinero.

Cuando le proponen un contrato magnífico, el único problema reside en que mientras duran las negociaciones debe estudiar inglés e ir acompañado de un conductor y un guardaespaldas.

Aunque enfrentados al principio, los tres hombres acaban aprendiendo a conocerse mejor y ampliar sus horizontes sociales y culturales.

Crítica

Después de una amplia filmografía en Francia como actriz bajo el mando de gente como Klaplish o Resnais —con el que obtuvo un César en 1988— y contando con una buena experiencia como guionista, debuta Agnés Jaoui al cargo de la doble responsabilidad de directora y protagonista en Para todos los gustos.

Una película de planos sencillos, texto polifónico e inteligente de influencias Allenianas al servicio de unos actores como Bacri, con representaciones teatrales brillantes.

Jaoui nos cuenta la necesidad y dificultad de traspasar ese pesado telón entre personas de diferentes condiciones sociales.

Historias y biografias que se entrelazan, personajes que desnudan su interior de manera paulatina, inspirando ternura, carcajada, compasión, fragilidad.

Un lúcido estudio sobre ese octavo pecado capital que es el prejuicio. Prejuicios de clase, de género, de distancias intelectuales... ¡Hasta prejuicios del gusto!, de donde viene el título de la película. Un trabajo actoral de primera para un guión excelente, comedido,sin un sólo bajón y sin un sólo efecto gratuito.

Premios

En 2001: 4 César: Mejor película del año, Mejor actor secundario (Gérard Lanvin), Mejor actriz secundaria (Anne Alvaro), Mejor guión original. 9 Nominaciones. European Film Awards: Mejor guión del año /Comedia dramática / Brillante debut de la actriz Agnès Jaoui en la dirección, una películaunánimemente aclamada por la crítica que fue seleccionada por la academia francesa para los Oscar.

La directora: Agnès Jaoui

la directora Agnès Jaoui nació el 19 de octubre de 1964. Actriz y directora de cine. Alumna destacada, estudia en el colegio Enrique IV realizando posteriomente estudios literarios.

En 1984, se desata su pasión por la comedia y decide asistir a unos cursos en el Teatro de los Almendros. Pronto realiza sus pequeños primeros papeles para el cine y en 1987 conoce a Jean-Pierre Bacri, con el que mantiene una relación tanto profesional como sentimental.

Ambos representan varias obras teatrales pero es a partir de 1996 cuando Agnès dedica la mayor parte de su tiempo a distintas películas como El Primo, Se conoce la Canción, o The Run.

En 1999 se lanza a la dirección con El Gusto de los otros. Tras el éxito del filme, nada parece frenar la carrera de esta joven mujer.

En 2003, compone parte de la banda sonora original de la película El Papel de Su Vida.

Pero vuelve a ponerse tras la cámara en 2004 gracias a Como una imagen, premiada en Cannes.

En 2006 compone un álbum latino muy alabado por la crítica por la calidad de su interpretación.

No hay más que una (Montaje de los directores)

Por las limitaciones de tiempo del festival de cine instantaneo (y las nuestras propias), el montaje original de "No hay más que una" no era del todo de nuestro agrado y entendíamos que no le hacia justicia al esfuerzo que invertimos en este proyecto.

Asi que este miércoles, después de otro fin de semana frenético, por fin conseguimos tener listo el nuevo montaje para su proyección. Se han corregido planos (encuadres, iluminación, colores). También se han eliminado y añadido escenas (el Salón de Ana ahora no tiene desperdicio). Y no os perdais los nuevos títulos de crédito, que ahora incluyen la versión íntegra de "Superestiercol", el tema principal del cortometraje a cargo del grupo cordobés Todos los Sistemas Activados.

Esperemos que fuera del gusto de los asistentes a la velada.

Cervantes decide

El acuñado rostro de Miguel de Cervantes, en forma de moneda de 50 céntimos, decidió que fuera "Para todos los gustos" la película a proyectar el miércoles próximo. "El pez gordo", como digna coganadora, será propuesta para la votación de la semana que viene.

Así que esta semana nos estrenamos con el cine francés, y para la propuesta musical anticipamos, de momento, que nos adentraremos aún mas en el viejo continente, asi que permanezcan atentos a las noticias de esta semana.

Por otro lado, este miércoles se espera anticipar el horario de las proyecciones en media hora, quedando como sigue:

20:30 Propuesta musical
21:30 Cortometraje
22:00 Largometraje

Semana de comedias

En primer lugar pedir disculpas por el retraso de esta semana a la hora de poner las opciones para votar. Como compensación dejaremos votar hasta el domingo a medianoche (un día más).

Esta semana contamos con tres comedias de lo más dispares: Empezamos con "El pez gordo", comedia americana protagonizada, entre otros, por el magistral "Kevin Spacey". Seguimos con un poco de humor frances, también contemporaneo, con "Para todos los gustos", una comedia social presentada a los Oscar en el 2000 por la academia francesa. Y terminamos pisando fuerte con "Telefono rojo, volamos hacia Moscú", la particular y sarcástica forma de ver la guerra fría de Stanley Kubrick.

Esperamos sus propuestas, caballeros.

Whisky

Ficha técnica

• Duración: 94 mins.
• Nacionalidad: Uruguay, Argentina, Alemania
  y España.
• Género: Comedia dramática.
• Año: 2004.

Ficha artística

• Director: Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll.
• Guión: Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll y Gonzalo Delgado Galiana.
• Reparto: Andrés Pazos (Jacobo Köller), Mirella Pascual (Marta), Jorge Bolani (Herman Köller), Ana Katz (Graciela), Daniel Hendler (Martín), Verónica Perrota, Jorge Temponi, Alfonso Tort, Ignacio Mendy.
• Guión: Juan Pablo Rebella, Pablo Stoll y Gonzalo Delgado Galiana.
• Música: Pequeña Orquesta Reincidentes.
• Fotografía: Bárbara Álvarez.
• Producción: Fernando Epstein.

Sinopsis

Montevideo, Uruguay. Jacobo (Andrés Pazos) tiene 60 años. Desde la muerte de su madre, a quien cuidó hasta el último día, vive en soledad. Lo único en su vida es su modesta fábrica de medias, hoy casi en bancarrota.

Marta (Mirella Pascual) tiene 48 años y trabaja para Jacobo desde hace 20. Es la empleada con más experiencia, oficia de supervisora, pero cumple funciones más allá de eso. Es la encargada de solucionarle la vida a Jacobo. A pesar de eso, su relación cotidiana es muy fría.

Herman (Jorge Bolani) es el hermano menor de Jacobo, está casado, tiene dos hijas y una exitosa fábrica de medias. Vive en Brasil y hace 20 años que no viene a Montevideo; ni siquiera al funeral de su madre. Al cumplirse un año de la muerte, se tiene que hacer la ceremonia de la lápida (matzeiva) de la madre y Herman avisa de su viaje. Ante la visita de su hermano, Jacobo le pide a Marta que se haga pasar por su esposa durante esos días.

Crítica

Mínimas y patéticas existencias. Pequeña joya de la cinematografía uruguaya, emparentada con esas historias mínimas que recientemente nos ha ofrecido el argentino Carlos Sorín (Historias mínimas, Bombón el perro), y con aún mayores influencias estéticas del finlandés Kaurismaki (Un hombre sin pasado).

Esencialismo narrativo y de puesta en escena para contarnos, con escasísimos y escuetos diálogos, la historia interior de dos hermanos judíos que se reencuentran un año después del fallecimiento de su madre, y de una mujer entrada en años que ha de hacerse pasar por la esposa de uno de ellos.

Seres patéticos y tristes, con unas vidas sin concesiones al disfrute, rutinarias y sin alicientes, de horizontes bajos y un futuro gris. Personas arrastradas por su pasado de soledad y falta de afecto, o de amargura y resentimiento, o de cicatería y remordimiento, según los casos. Pero, siempre, almas doloridas y miradas secas, emociones reprimidas y planteamientos ruines, seres que quieren pero que no logran enderezar unos destinos deprimentes.

La cámara de Rebella y Stoll recoge ese mundo interior y penetra en el espectador para trasmitir mucho con poco. Unos planos fijos y despojados de artificio, una fotografía realista y una puesta en escena minimalista, una economía narrativa y un humor lacónico, o una sobriedad gestual y de movimientos, todo ello nos lleva al uni-verso de Kaurismaki, trasladado aquí
al cono sur.

Película selecta y minoritaria, llena de tanto humanismo y ternura —sin un ápice de sentimentalismo— como de tristeza y laconismo. Arriesgada producción para mostrar, a modo de fábula, las miserias interiores del hombre, pero con unos personajes tratados con respeto y distancia por los directores, y magníficamente interpretados por el trío protagonista. (Julio Rodríguez Chico).

Los directores: El adiós de Rebella

Juan Pablo Rebella y Pablo Stoll nacieron en Montevideo, Uruguay, en 1974.

Empezaron a trabajar juntos mientras cursaban estudios de Comunicación Social en la Universidad Católica del Uruguay, donde ambos se licenciaron en 1999. A partir de entonces trabajaron de forma conjunta como guionistas y directores de varios proyectos audiovisuales, entre ellos el largometraje 25 Watts (Uruguay, 2001), ganador de varios premios internacionales (mejor largometraje en el festival de Rotterdam, mejor opera prima en el festival de La Habana, premio FIPRESCI y mejor actuación masculina Festival de cine Independiente de Buenos Aires, etc.). Ambos trabajaban paralelament como directores free-lance en TV y publicidad.

Premios y nominaciones de Whisky:

• Festival Internacional de Cine de Cannes (2004) - Premio de la Mirada Original y Premio FIPRESCI en la sección “Una cierta mirada”
• Festival de Cine Independiente de Sundance (2002) - Premio al mejor guión latinoamericano.

Claves de la muerte de Rebella:

• Su último filme fue el ganador del Goya a Mejor Película Extranjera de Habla Hispana 2005.
• Tenía 32 años y se da por descontado que se suicidó.
• Su cuerpo fue hallado por su compañera y el co-director de la película, Pablo Stoll.
• Rebella escribía un nuevo guión, tras el gran éxito logrado con Whisky, escrita y dirigida junto a Stoll.

Bregman, el siguiente

El pasado miercoles se proyecto el corto que acompañaba a la pelicula Whisky en el DVD, que nos muestra una familia tradicional judia en la que todos sus miembros han de ajustarse a las normas y tradiciones estipuladas, en ambitos religiosos y no tan religiosos.

Yann Tiersen

Ante ustedes, Yann Tiersen: 33 años, adolescencia rockera, formación académica en los mejores conservatorios franceses, aspecto desaliñado y urbano, compositor de finísima sensibilidad y multiinstrumentista virtuoso, ya que la composición e interpretacion de sus temas comprende la manipulación de variados instrumentos, entre los cuales cabe destacar el piano de juguete (llamado toy-piano), el acordeón, el violonchelo, el banjo, el clavicordio y la melódica entre otros.

Es el creador de algunas de las más bellas bandas sonoras de los últimos años. Películas como La Vie Rêvée des Anges (1998, Erick Zonca), Alice et Martin (1998, André Téchiné), Qui Plume la Lune? (1999, Christine Carrière) y Good bye, Lenin! (2003, Wolfgang Becker), han sido musicalizadas por Yann Tiersen, que anteriormente trabajó en la música dentro del mundo del teatro.

Ademas, es autor de multitud de canciones y melodías policromáticas y personalísimas (a estas alturas faltarían dedos en las manos para atraparlas todas) dotadas de una hondura lírica a la que en estos momentos pocos, muy pocos, pueden aspirar. Un músico magistral y lúcido. Un genio.